コロナ禍となる直前の今年の２～３月に録音／ミックス／マスタリングを担当させていただいた、原田斗生さんの録音作品がリリースされました。原田さんはイーストエンド国際ギターコンクールの2019年度覇者。圧倒的なパフォーマンスで幼いころから日本のクラシック・ギター界で大変な注目を集めていた、将棋で言う藤井聡太さんのような存在です。そのパフォーマンスを生ではじめて拝聴させていただく機会が録音担当とは、ディレクターの竹内永和さんに感謝するばかりです。

　演奏を目の当たりにして驚いたのは、暴力的なほどの表現の強さ。繊細さより豪放、解釈より表現を優先していくような強さでした。音楽を生業としていても感動に至る演奏表現に出会うことは稀ですが、この若者の演奏表現には圧倒されました。音楽界で生きていたにも関わらず、私が「本当の演奏とはこういうものなのだ」とはじめて思い知らされたのは20代も後半にさしかかった頃でした。自分の職場だった録音スタジオで、毎日のように一流と言われる人の演奏にさんざん触れ、自分もまた演奏活動をしていながら、表現の何たるかを知らなかったわけです。それを、まだ高校生だった原田さんは当たり前のように知っていて、しかもそれを具象するレベルにまで達していました。
　数年前に録音を担当させていただいた山田唯雄さんもまた素晴らしい表現を持つプレイヤーでしたが、それと合わせて考えると、今の日本クラシック・ギター界の若手は、尋常ならざるレベルにある世代と言えそうです。指が速く動くとかそういう問題ではなく、スコアの読み込みが深く、それを見事に表現につなげることが出来るレベルです。演奏職人ではなく、まぎれもなくミュージシャン。

　エンジニアとして目指したことは、はみ出すほどの表現力を型にはめることなく生かしたまま、バス・和音・メロディを1本のギターですべて表現するクラシック・ギター独特のアンサンブルをオーディオレベルで整える事でした。音像や音場より先に、まずは演奏の素晴らしさに気づきやすいよう尽力したつもりです。曲による音像や音場のばらつきは、エンジニアとして文句を言われないようにする事より先に、表現とアンサンブルを優先したエンジニアの献身ゆえと思って許してください。時として暴走も辞さない爆発的な演奏なので、エンジニアの苦労は計り知れず。消耗し尽くしたので、数か月はクラシック・ギターの録音の仕事はしたくないです（笑）。

　器楽コンクールというと、どうしてもミスの少ない人が勝ちやすく、個性的な演奏者が弾かれる傾向にあると思うのですが、こうしたプレイヤーをグランプリに選びだした審査員の目は素晴らしかったのではないか。スコアの読み込みがまた素晴らしいと感じましたが、これは本人だけでなく指導者もまた素晴らしかったのではないか。内容的にもう少し難しい録音セッションになっていてもおかしくなかった所を、取りこぼしも追加録音もなく済んだのは、自身が素晴らしいギタリストである竹内さんのディレクションがあったからではないか。つまり、原田さんの素晴らしい演奏の背後に多くの人の顔が見えたような気がして、これは日本クラシック・ギター界全体の長年にわたる努力が生み出した名演ではないかとも思いました。

　このＣＤは、コンサート会場のほか、全国のギターショップでも入手可能なようです。

クラシック音楽系のweb マガジン『Mercure des Arts』に、今回のコロナ禍に関するエッセイを寄稿させていただきました。

今回の騒動で何故かあまり語られていない（しかし参照すべき）「生物種が備えている個体数抑制の機構」という動物生態学における知見を紹介し、そこからコロナ禍を眺めてみた記事です。難しい事は書いていませんので、ご笑覧いただければ幸いです。

http://mercuredesarts.com/2020/05/14/what_human_beings_ought_to_do_after_covid19-kondo/

ヴァイオリニスト加藤綾子さんのデジタルアルバムの制作を、少しだけお手伝いさせていただきました。

大バッハの無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第２番の４曲を逆順に演奏し、その間に自身の即興演奏を挟んで構成。ここには作曲作品の演奏を生業とするプレイヤーにとっての私とは何かという問いなど、色々な考えがあるのだと思いますが、こうした発想を持ったアルバムが、クラシックの内側から発せられてきた点が素晴らしいと感じます。作品の発表には何らかの挑戦があって欲しいと思うのですよね。

ちなみに、私はボーナス・トラックとして収録されたバルトークのヴァイオリン協奏曲第２番のカデンツァ部分の抜粋がお気に入りです。ボーナストラックは、バンドキャンプからの購入者のみ聴くことが出来るようですので、ご注意。

(bandcamp)
https://ayakokatovn.bandcamp.com/album/ban?fbclid=IwAR2vuYpoUyjfPUz6JQTIH3mb2j7gt81lj0Ge5JK-zgc7K3k-zeEMn3GJGr8

(PV)
https://youtu.be/0OKkAsdNurU

　web magazine の『Jazz Tokyo』に、ジャズのアルト・サックス奏者リー・コニッツの追悼文を寄稿させていただきました。

　私にとっては、ジャズのアドリブを勉強していく過程で何度も遭遇しながら、遂に深入りする前に過ぎてしまった人。ジャズのメインストリームはこちらに行っても全く不思議ではなかっただろうし、そうなっていれば、ジャズにはバロックの通奏低音における美技の如く音楽への道が開けていたのかも知れませんが、そうならなかった点にも、ある種の神秘を感じています。

https://jazztokyo.org/issue-number/no-265/post-51710/

総合電子アーティストの織田理史さんのセカンド・アルバムが5月1日にリリースされます。私は３曲のミックスとアルバムのマスタリングをお手伝いさせていただきました。

そして、レコーディング・エンジニアの巨匠・及川公生先生が、この作品の録音評を『JazzTokyo』誌に書いて下さいました。
https://jazztokyo.org/reviews/kimio-oikawa-reviews/post-50965/
お書きいただいた録音評の中に「音像」「ステレオ空間」（つまり音場）「遠近感」というキーワードが出てくるのですが、これこそ織田さんと話し合い、この作品でのミックスにおける優先課題とした項目でした。最初にそれを聴き分けた先生の耳には驚くばかりですが、このありがたい録音評を読ませていただき、私が本作品で果たすべき役割は何とか果たせたのではないかと胸を撫で下ろしています。

ステレオ音場で奥行きや上下を含めて空間表現する事は、電子音楽ほど向いていそうなものですが、実際にはそうした作品は多くないまま今に至ったように感じます。在野の音楽どころか、仏IRCAMや独WDRのような電子音響システムを持つスタジオで作られた現代音楽でさえ例外ではありません。マヌリやミュライユといったスペクトル楽派の諸作も、WDR系統の電子音楽も、まさに空間表現自体が創作動機のひとつであったと思えるブレーズ『Repons』ですら、（劇場のでの空間処理はともかく）ステレオ表現では同じ課題を残したように思います。例えば、リヴァーブが用いられたとしても、それは音を奇麗にしている程度で奥行きを表現するところまで至っていない、といった具合です。
及川さんが一聴してそれを指摘したように、ステレオ空間での音場・音像の創出は、あるレベル以上の録音技師であれば皆が共有している智識や技術と思われます。しかしそれが電子音楽に活かされないままであった理由は、電子音楽はその特性からミュージシャン自身がミキシングを担当する事が多く、しかしミュージシャンがエンジニアと同じ知見や技術に辿り着く事は、エンジニアが思うほど簡単ではなかった、という事かも知れません。

DAW全盛の現在、電子音楽はミュージシャンがミキシングを手掛ける事がますます増え、電子音楽におけるステレオ表現はロストテクノロジー化するかもしれません。現況で、電子音楽の音場／音像創作のサンプルをひとつ増やすことが出来たことは、意味ある仕事だったと思っています。
作品『electric-Abyss』での私の立場はエンジニアなので、音楽自体に対する感想を述べる事は出来ませんが、もし電子音に対するステレオ音場の創作に興味ある方がいましたら、ぜひ聴いてみてください。コロナの影響でアマゾン等での販売開始は遅れるそうですが、リリース元のChap Chap Records、また織田さんの個人サイトで入手できるようです。　（近藤）

https://www.chapchap-music.com/
https://www.masafumi-rio-oda.com/